Algunas cuestiones que me gustaría aclarar a propósito del contenido de los tableros en Pinterest y un mensaje privado que he recibido esta semana. En los que se dedican a las recomendaciones semanales hay fotografías de todos los géneros; reportaje, retrato, naturaleza muerta, conceptual, moda,... y también desnudos, que para mí no es un género especial, sino uno más a considerar. Más difícil será encontrar una fotografía gratuitamente violenta, que un desnudo marcadamente erótico. Aunque en esta sociedad hay mucha más tolerancia hacia el violencia que hacia el erotismo, mis valores están del revés y por lo tanto se reflejan en mis elecciones. Eso sí, procuraré siempre que en ningún momento las imágenes sean degradantes para ninguna persona, especialmente mujeres que son las que más han sufrido este tipo de actitudes. Pero a veces puede haber imágenes potencialmente incómodas. En el de esta semana, he seleccionado una fotografía de Larry Clark, de su serie Teenage Lust, una serie compleja y difícil de ver sobre la sexualidad en los adolescentes, ya que hay fotografías en ella mucho más impactantes que la que he incluido en el tablero. Bueno... aunque sospecho que mis modestas audiencias comparten en parte mis valores y no suele haber problemas, avisados quedáis todos.
Las fotografías acompañantes sirven para recordar que en De viaje con Carlosencontraréis mi cuadernos de viaje fotográficos, y que como tenía alguno sin elaborar, estoy ahora con el dedicado a Japón, un viaje del que hace ahora un año, y que espero terminar en los próximos días.
En lo que se refiere a las recomendaciones de esta semana, empezaré por los fotógrafos más clásicos. En realidad el primero de ellos fue un cineasta, Stanley Kubrick, pero que empezó su vida laboral siendo un adolescente trabajando de fotógrafo para la revista Look. Y en Art Photo Collector nos han recordado su trabajo de aquella época.
Me gustan los trenes de antaño. Me gusta la estética de las viejas locomotoras de vapor. Me gusta la fotografía ferroviaria. Por lo tanto, no puedo menos que traer aquí las imágenes de René Groebli, tal y como nos las muestra L'Oeil de la Photographie. No sólo nos muestran trenes, también algunos retrato y desnudos tempranos en la carrera del fotógrafo que me parecen estupendos.
Hace no mucho tuvimos la ocasión de ver una interesante exposición aquí en Zaragoza dedicada a Larry Fink. Este fotógrafo es muy conocido por sus fotografías documentales en el mundo de la música y del glamour, de las fiestas de la gente importante, de Nueva York y Hollywood. Pero las fotografías que nos mostró esta semana L'Oeil de la Photographie son mucho menos glamourosas, aunque al menos tan interesantes, y con su estilo tan característico. Armado de una reflex binocular Mamiya y una Leica M2 se introdujo en los bosques y en los trabajos de los leñadores talando los árboles. A mi me gustaría saber usar el flash como Fink... y muchas más cosas como Fink.
Nos venimos a tiempos más modernos. En Cooph nos han mostrado las fotografías que durante seis años ha realizado Eric Mencher en Guatemala. Especialmente en las orillas del lago Atitlán, donde 100.000 descendientes de los mayas viven en los pueblos y las ciudades que lo rodean. Blanco y negro sobre película tradicional de formato medio cuadrado... a mí me han encantado por su dominio de la luz y las sombras y de la composición. Vosotros mismos.
Pasamos del blanco y negro al color en clave baja, el que practica William Ropp en sus retratos, que nos muestra también L'Oeil de la Photographie, de las gentes que viven en Etiopía, todavía en sociedades tribales y tradicionales. Nos transmiten una sensación de calma y armonía que choca con las noticias de barbarie y hambrunas que con frecuencia nos llegan de aquellas latitudes.
Primero una corrección. Uno de los vídeos de la semana pasada, el dedicado a Nobuyoshi Araki, estaba en su mayor parte hablado en japonés. Sin subtítulos de ninguna clase. He encontrado una versión con subtítulo en castellano que os dejo aquí. Ya advertí, creo, y si no lo hago aquí, que la fotografía de Araki, especialmente algunos desnudos, especialmente los de mujeres atadas con fuertes ligaduras, molestan a algunas personas. Pero a su vez, Araki tiene algunas partes de su obras que conviene conocer, después del vídeo más sobre esto.
Algunos de los trabajos más interesantes de Araki fueron aquellos que dedicó a su mujer, Yoko, que falleció de cáncer en 1991. Un primer libro fue Sentimental Journey, en el que Yoko era la figura principal durante el viaje de novios de la pareja. Un libro lleno de amor y sensibilidad hacia su mujer. Que luego extendió durante su vida en común, y que tuvo colofón el libro Winter Journey, con los últimos de ella. Con posterioridad, se han editado libros que unían ambos viajes.
Hace unos días, en el Facebook de 120 Love, una página dedicada a promocionar la fotografía en formato medio que se mueve sobre todo en Japón, nos proponía el trabajo de Masahisa Fukase, enlazando un artículo de The Guardian. Su trabajo estuvo relacionado fundamentalmente con su esposa, que también se llamaba Yoko, siendo el objeto de su fotografías mientras estuvieron casados. Cuando su esposa le dejó y se divorciaron, su trabajo, fotografiando cuervos, reflejaba el estado de depresión y dolor que le produjo la separación. Sus últimos 20 años de vida permaneció inconsciente tras una caída por unas escaleras en estado de embriaguez que lo dejó en coma. Tremendo, no. Hay quien considera que su trabajo Karasu (Cuervos) es el mejor libro de fotografía publicado en los últimos 25 a 30 años.
Pero vayamos a historias más alegres relacionadas con la fotografía y el matrimonio. Nos hablaban en PetaPixel hace unos días de la boda de Liisa Luts, fotógrafa que vive y trabaja en Tallin, Estonia. Decidió que las fotografías de su boda iban a ser poco convencionales. Las iba a hacer ella misma. Iban a ser un documento profundamente subjetivo de su experiencia, que realizó con una discreta Fujifilm X-T10. Y sinceramente, a mí me me ha convencido mucho su visión. La serie entera se puede ver.
Antes que nada, pondremos el enlace al tablero de Pinterest que recoge las fotografías que me han llamado la atención esta semana por sí mismas, o que pertenecen a grupos de fotografías que las representan. Creo que hay para todos los gustos y de todos los temas y géneros. De todos modos, como el conjunto de recomendaciones que potencialmente podían aparecer en estas páginas era notable, he restringido en la medida de lo posible, y dejo en vuestras manos la visita al tablero en Pinterest para explorar otras posibilidades.
Las fotografías que acompañan las recomendaciones semanales de esta semana proceden de un largo paseo que di ayer sábado por la mañana. Parece que las duras temperaturas del verano ya han remitido en Zaragoza, y aunque todavía están cerca de los 30 ºC en las horas de más calor, las mañanas son muy agradables, y se pueden dar largas caminatas de 2 o 3 horas sin miedo a derretirse. Además, unas nubes poco densas pero muy presentes dieron una luz suave durante toda la mañana, favoreciendo la práctica de la fotografía.
En primer lugar, un obituario. Que me ha llamado la atención que ha aparecido poco en los medios especializados en internet, a pesar de la significación del fallecido, Alberto Schommer (1928 - 2015), fotógrafo especializado en retrato, Premio Nacional de Fotografía 2013. Yo traigo aquí la noticia recogida por Exit-Express. Tengo recuerdos de los retratos de Schommer desde hace muchos años, ya que aquellos enigmáticos retratos de personalidades de la vida pública española realizados en los años 80, en los que aparecía sistemática con los ojos ennegrecidos, me llamaban mucho la atención. Creo que es de los fotógrafos españoles que todo aficionado a la fotografía debe conocer.
Empezando como de costumbre por fotógrafos o fotografías de antaño, recojo un artículo de los blogs de la radio pública estadounidense NPR, hablando del último país de América que abolió la esclavitud. Este dudoso honor corresponde a Brasil, que tardó hasta 1888 para salir de esta barbarie. Pero el hecho de que la esclavitud durase en el gigante sudamericano hasta tan avanzado el siglo XIX ha permitido que se conserven mucho más documentos fotográficos sobre la vida de los esclavos, algunos muy notables.
Actualmente hay mucha gente que viaja. Y prácticamente todos llevan una cámara fotográfica y hacen (o se hacen) fotos. Aunque sólo sea con la del teléfono móvil. Pero a principios del siglo XX, esta práctica, tanto la del viajar como la de hacer fotos, estaba reservada a los aventureros a la burguesía acomodada. En L'Oeil de la Photographie nos hablaron de un señor de Bilbao, Jesús de Echebarría, que perteneció a esta categoría de privilegiados. Y que nos ha dejado algunas fotografías de sus viajes que son realmente interesantes.
Tres vídeos, lamentablemente ninguno de ellos en castellano, pero que de todas formas voy a poner aquí para quien pueda estar interesado, porque nos hablan de tres fotógrafos o artistas interesantes. Desde el Met de Nueva York nos hablan de Garry Winogrand, uno de los grandes de la fotografía documental norteamericana.
No apto para todos los públicos es es el vídeo siguiente, casi hora y cuarto de duración, que nos muestras las peculiaridades de un fotógrafo tan especial como Nobuyoshi Araki.
Finalmente, desde el canal de Youtube de la Tate Gallery, nos hablan de las ciudades de los artistas, en esta ocasión del Pekín de Ai Weiwei, artista polifacético chino, también ha usado la fotografía como medio de expresión, y que está sometido a vigilancia y a censura. Nos cuenta cómo la ciudad de ningún modo se puede considerar como un ente hecho a la medida de las personas.
Los años setenta del siglo XX fueron una época compleja en el mundo del arte, la estética y la libertad personal, especialmente la libertad sexual, que culminó con la ola de conservadurismo que trajo Ronald Reagan y el sida. Pero merece la pena echar un vistazo a las expresiones artísticas de aquella época, aunque no siempre sean del gusto contemporáneo. En Feature Shoot nos traen las polaroids de Edo Bertoglio, mostrándonos el glamour y también lo que no es precisamente glamour del punk neoyorquino de aquella época.
Nicholas Nixon es un fotógrafo que se toma sus fotografías y sus proyectos con calma. Su proyecto más famoso, que lleva cuarenta años en desarrollo es el de las hermanas Brown, en el cual, cada año toma una fotografía de su esposa Bebe con sus tres hermanas. Es un proyecto que ha recibido mucha publicidad y atención en los últimos tiempos. Pero tanto el New York Times como Aesthetica Magazine han coincidido esta semana en señalar que el trabajo de Nixon va mucho más allá, y que realmente es muy interesante. Realizado en su mayoría con una cámara técnica de gran formato ( 8 x 10 pulgadas), es fiel a ese trabajo lento y reflexivo. Pero de verdad que tiene cosas tan interesantes o más que la serie de las hermanas Brown.
Voy a traer algo de paisajes. En Feature Shoot nos han mostrado las notables montañas fotografiadas por Charles Emerson en Escocia, Rumania y Jordania. Lejos la mayor parte de las ocasiones del efectismo de los paisajes que circulan y son más populares actualmente por internet, estamos ante auténticos retratos de las montañas, mostrando cada una de ellas su carácter, en composiciones desprovistas de elementos superfluos, y con gran dominio de la luz y el color. A partir de fotografías sobre película tradicional, el proceso de Emerson es realmente complejo hasta alcanzar el resultado deseado, combinando en el mismo fases de métodos tradicionales físicoquímicos con fases de métodos digitales contemporáneos.
Esta semana también viene interesante en lo que se refiere a las recomendaciones fotográficas, con algunos enlaces muy interesantes recopilados en los últimos siete días. No parece que el verano esté afectando negativamente a las noticias sobre fotógrafos y fotografías. O a lo mejor es que el verano favorece la celebración de festivales y exposiciones y hay más movimiento. No sé. Las fotografías acompañantes están tomadas cerca de Pozuelo de Aragón e intentan reflexionar sobre el deterioro paisajístico en el mundo actual. Unas instalaciones ganaderas, cuyo uso ya no se ajusta a las necesidades del mundo actual, pero que aportan valor estético al paisaje de la comarca, pero que poco a poco se van deteriorando, degradándose por lo tanto la estética del paisaje. Cuestiones que se valoran poco en este país. Podría poner más ejemplos...
Paisaje ganadero cerca de Pozuelo de Aragón en 2007.
El mismo lugar en 2015.
Las fotografías, a lo largo del siglo XX, se han convertido con frecuencia en iconos de determinados momentos históricos, valores o movimientos. Pero a veces son como las armas de fuego, que las carga el diablo, y acaban volviéndose contra quien las pretenden utilizar. En The New Yorker nos hablan de una fotografía que se convirtió en un icono de las libertades haitianas. Estando la isla ocupada por ese "garante de las libertades" del mundo actual que son los Estados Unidos de América a principios del siglo XX, hubo movimientos de rebelión contra esta ocupación, que fueron duramente reprimidos por los norteamericanos. En 1919, asesinaron a uno de los cabecillas rebeldes, Charlemagne Péralte, y un fotógrafo de la infantería de marina yanqui tomó una imagen del cadáver que se difundió con el fin de que sirviese de lección a otros rebeldes. Pues bien, se convirtió en un icono de la libertad haitiana. Los militares yanquis crearon un mártir que espoleó a la lucha a otros haitianos. Y no aprenden, y siguen sorprendiéndose de la resistencia que muestran otros pueblos, y cómo sus acciones militares y las imágenes que de ellas se desprenden no sirven más que para espolear nuevos combatientes. Desgraciadamente, en muchos casos fanáticos religiosos que tampoco le hacen ningún bien al mundo.
Creo que en alguna ocasión he hablado por aquí de The Polaroid Kidd, sobrenombre que durante un tiempo recibió el fotógrafo que ya no se dedica a ello Mike Brodie, que se subía a los trenes de mercancías que atraviesan los Estados Unidos con su cámara y recogía sus vivencias y las de quienes se encontraba o le acompañaban. Pues en Lenscratch nos hablan de otro ejemplo similar. En esta ocasión con cierto misterio, puesto que Swampy, apodo del fotógrafo, permanece en el anonimato, aunque no deja de tener una galería que lo representa. También este fotógrafo recorre Norteamérica en la montaña rusa de los trenes que la atraviesan de norte a sur y de este a oeste, con incursiones en Méjico.
Existen estereotipos sobre cómo debemos ser. Y esto afecta más a las mujeres, que constantemente reciben un bombardeo sobre cómo debe ser su imagen, cuánto deben pesar, qué deben vestir, cómo deben actuar. Para contrarrestar este acúmulo de imágenes estandarizadas, la fotógrafa brasileña Luisa Dorr, en su trabajo Topography of Women que nos presentan en LensCulture, recoge retratos de mujeres que ha encontrado a lo largo de sus viajes por todo el mundo, mostrando la diversidad en formas, sentimientos e ideas que reina entre ellas. Sin renegar de conservar una cuidada estética y presentación en sus apacibles fotografías en color. No es la primera vez que Dorr aparece por estas páginas, siempre con interesantes reflexiones.
Hablemos un poco de las polaroids. Ya sabemos que basta que desaparecieran porque nadie las usaba para que de repente se hayan vuelto imprescindibles y todo el mundo las eche de menos. Y no dejan de recordárnoslo de diversas formas. En American Suburb X (ASX), por ejemplo, nos recuerdan la afición del japonés Nobuyoshi Araki por este medio. Como de costumbre con este autor, abstenerse timoratos y gentes sensibles a la desnudez o a la sexualidad.
Y en Mental Floss, via el boletín semanal de The Inspired Eye, nos cuentan la historia de una persona, un hombre, que durante más de 18 años, entre el 31 de marzo de 1979 y el 25 de octubre de 1997 tomó una polaroid cada día con una SX-70. El fotógrafo inicialmente misterioso fue Jamie Livingston, que murió prematuramente de cáncer a los 41 años. Dos amigos suyos, deseando homenajear la vida de Livingston crearon una página web con estas polaroids, que convierten este sitio en un lugar de notable interés documental.
El Moncayo al fondo de este contraluz.
El tema de los selfis da para mucho. Que si son peligrosos porque exponen a la gente a accidentes, especialmente si se ayudan del maldito paloselfi, que si son escandalosos, que si son superficiales, que si son algo distinto a la fotografía propiamente dicha, que si... No sé... En esta semana, en All Tech Considered, blog tecnológico de la NPR (radio pública estadounidense) le han dedicado dos entradas al fenómeno.
En el primero, reflexionan que yendo más allá de la imagen narcisística que pueden transmitir, puede haber algo más. Y hablan del "arte del selfi" desde dos puntos de vista. Por un lado, las numerosas aplicaciones móviles que permite mejorar la calidad estética y técnica de los selfis, ayudándonos a presentarnos de una forma menos cutre ante el mundo. Y también nos hablan de la artista digital Molly Soda que utiliza la estética del selfi para reflexionar sobre algunos valores contemporáneos, viendo el selfi como una reafirmación positiva de la persona que lo realiza.
En el segundo, consecuencia en parte del anterior, se reflexiona sobre lo que los selfis muestran sobre cada uno de nosotros, sobre la vanidad tras ellos, pero también su potencial valor artístico o de reafirmación personal, insistiendo en alguna de las opiniones del artículo anterior.
Están de moda los hallazgos casuales, fotografías estupendas de fotógrafos anónimos, independientemente de que se lleguen a conocer a posteriori o no, que son descubiertas y puestas a disposición del público. Ya he hablado antes de las polaroids de Jamie Livingston. En PetaPixel nos cuentan cómo la fotógrafa Meagan Abell encontro unas diapositivas de medio formato guardadas en fundas de plástico que mostraban una serie de paisajes con figuras femeninas, probablemente de los años 40 o 50, probablemente de alguna playa californiana, y que efectivamente están muy conseguidas estéticamente, aparte del valor del color de las emulsiones antiguas. Abell se ha lanzado a través de su página en Facebook a una campaña para saber dónde fueron tomadas las fotografías (eso parece que ya se sabe, en Dockweiler Beach, en el condado de Los Ángeles), quién fue el fotógrafo y quiénes fueron las elegantes modelos, dos mujeres que no dudaron en remojarse en las aguas del Pacífico durante la puesta de sol.
No sé que he hecho esta semana. Me he encontrado con un montón de posibles recomendaciones guardadas para revisar. Justo en una mañana de domingo en la que tengo muchas cosas que hacer. Porque se acerca el momento de empezar a disfrutar de vacaciones, aunque sean pequeñas, y hacer algún viaje, aunque sea en forma de escapada de pocos días. Trataré de recoger lo mejor posible lo que he encontrado interesante, de forma rápida. Y os dejo con algunas fotografías con las que sigo mi aprendizaje del bodegón. He manejado el concepto de clave alta y luego estuve habilitando mi Hasselblad para ser utilizada con flash. Cables de sincronización y esas cosas... Pero vamos a lo importante.
En el blog If your leave, que nos va recomendado la obra de distintos artistas con ejemplos de sus obras, aparecieron este miércoles pasado algunos ejemplos de la obras del fotógrafo alemán Axel Hütte (entrevista y fotografías), especializado en paisajes, que desde hace tiempo me gustan mucho y que creo que me inspiran más que los chillones colorines que se nos proponen desde otros sitios. Creo que merece la pena conocer la obra de este fotógrafo.
Captura digital, conversión a blanco y negro y ligeros ajustes de contraste en el procesado.
En blanco y negro y con exposiciones de muy larga exposición, más una investigación del movimiento astronómico de los astros, David Shannon-Lier realiza paisajes en los que apreciamos el movimiento aparente de la luna por el firmamento conforme la Tierra va ejecutando su cotidiano giro sobre su eje, y además, con elementos naturales, ramas, piedras, caminos, laderas, nos indica el recorrido del astro cuando se oculte. Nos lo cuentan en Lens Culture. Y las fotografías están muy bien.
Si en una semana me aparecen dos artículos sobre Nobuyoshi Araki, y ni siquiera hablan de lo mismo, pienso que es momento de recordar a este prolífico y emblemático fotógrafo japonés. Un de los artículos ha aparecido en DSLR Magazine y el otro en American Suburb X. El primero hace referencia a su serie Ojo Shashu (Photography for the After Life), obra llena de color y simbolismo. El segundo se dirige hacia su obra en blanco y negro, sean sus naturalezas muertas, sean sus mujeres atadas con sogas al estilo japonés. El principal representante de su generación en Japón. Fotógrafo muy personal, y polémico por lo explícito y crudo de algunas de sus obras, creo que es de obligado conocimiento para todos los aficionados a la fotografía.
Captura digital, conversión a blanco y negro y ligeros ajustes de contraste en el procesado.
Nos introducimos ahora en el mundo del retrato. Y empezaremos por ponernos un poco nostálgicos, con las bellezas chinas de Nancy Sheung, una fotógrafa de Hong Kong que realizó buena parte de su obra hacia los años 60, en un tiempo en el que apenas se veían mujeres fotógrafas, y menos en aquella parte del mundo. En Urbanautica nos muestran algunas obras de la fotógrafa, relativamente ecléctica, pero con logros estéticos indudables, muy propios de la época.
En Lenscratch entrevistan y nos muestran el trabajo de Lori Vrba, con su serie The Moth Wing Diaries. Una obra muy personal, llena de melancolía, en su mirada hacia la infancia con su Hasselblad y su excelente procesado en blanco y negro.
Captura sobre película tradicional, Hasselblad con repaldo A16 (negativos de 4x4 cm); sin ajustes posteriores a la digitalización.
Una imagen de Ramona Deckers, que me lleva a su página web, en gran parte dedicada a retratos de mujeres jóvenes, con cierta sensualidad difusa. Pero curiosamente lo que más me ha sabido a poco han sido sus fotografías en la carretera, que me han recordado algunas de las mejores tradiciones de la fotografía americana con esta perspectiva.
También nos ha mostrado un característico retrato de los que elabora el alemán Thomas Ruff. No obstante, este fotógrafo muy valorado, pero que ha mi me produce sentimientos encontrados, tiene una obra muy variada, afrontando diversos estilos y temas.
Captura sobre película tradicional, Hasselblad con repaldo A16 (negativos de 4x4 cm); sin ajustes posteriores a la digitalización.
También con una obra basada en el desnudo y en la naturaleza muerta, desde Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, nos proponen la fotógrafa Brigitte Carnochan, una fotógrafa que utiliza las técnicas tradicionales, como las platinotipias o los coloreados a mano para ofrecernos una visión serena con un punto de melancolía de sus motivos.
Sin embargo, las naturalezas de Jennilee Marigomen, cuya referencia no puedo recordar donde apareció, están llenas de la fuerza del color vibrante y de las formas geométricas. También para quedarse un buen rato analizando las obras.
Captura sobre película tradicional, Hasselblad con repaldo A16 (negativos de 4x4 cm); sin ajustes posteriores a la digitalización.
Redacto estas recomendaciones fotográficas que os traigo habitualmente los domingos sumido en una profunda tristeza musical, al comprobar que la otrora brillante vocalista de jazz Diana Krall ha profundizado en su huída de lo que realmente hacía bien, para convertirse en una vulgar cantante de estándares del cancionero anglosajón, algo más modernos en esta ocasión, carente por completo de personalidad. Dicho lo cual, me introduciré en las recomendaciones fotográficas, que para acompañar los tiempos, además de comentar ciertos famosos premios, tendrán que ver con el sexo y el erotismo en la fotografía. De algún modo. Las fotografías acompañantes son de una visita que hice ayer al IAACC Pablo Serrano, aunque sin novedades que no haya comentado previamente en el apartado expositivo.
Con notable puntualidad nos contaban desde distintos medios, entre ellos QUESABESDE, la noticia del fallo de los premios WORLD PRESS PHOTO 2015. Este año con una fotografía muy intimista sobre las relaciones de dos homosexuales en Rusia, país que se ha manifestado de una homofobia feroz, entre otros ataques más o menos continuados del gigante euroasiático a los derechos humanos y la paz. Pero por supuesto, hay diversas categorías y premiados para todos los gustos. Pero quizá lo que más sorprendió fue un dato que trataron especialmente bien en el BRITISH JOURNAL OF PHOTOGRAPHY. Conocido es que en los últimos años ha habido diversos escándalos en premios fotográficos orientados al periodismo y reportaje motivados por el exceso de tratamiento y retoque de las imágenes, que cuestionan la validez o la veracidad de las mismas. Por ello, había nuevas normas para evitar esta situación. Lo curioso es que de las algo más de 90 fotografías que pasaron el corte final, que fueron las que fueron contrastadas con sus archivos digitales originales para comprobar el cumplimiento de la norma, un 20% fueron descalificadas por este motivo. ¿Es que pensaban que no lo iban a comprobar realmente? Por otra parte, algunos se defienden argumentando que los programas de edición de imagen son el nuevo cuarto oscuro y que la intervención en las imágenes estaba justificada. Puede que tengan razón o no. Pero si te apuntas a un concurso, será para seguir sus normas ¿no? Si no de qué te quejas si te descalifican... Personalmente creo en fotografía documental y de reportaje periodístico hay límites en el retoque que nunca se debería cruzar.
Este fin de semana ha estado marcado en todo el mundo por el estreno de una película que venía con la etiqueta de "erótica" y "atrevida". Pocos realmente nos creíamos lo del "atrevimiento" visto el derrotero altamente conservador que sigue el cine comercial norteamericano. Y las impresiones que nos llegan, no la he visto ni la tengo en agenda, indican que no es para tanto. No la he visto digo; se basa en una novela que no he leído salvo el capítulo de muestra que ofrecía la editorial en formato electrónico, y que me dejó espantado por su escasísima calidad literaria, y por la memez de sus planteamientos. Para quienes "crecimos" en la literatura erótica de la mano de TUSQUETS EDITORES y su colección LA SONRISA VERTICAL, de verdad que tiene la pinta de ser una total y absoluta bobada... pero que vende como churros. Bien... pues vamos a ver que nos trae el mundo de la fotografía esta semana en el plano de los eróticofestivo.
En primer lugar, en lo erótico hay que tener en cuenta que es importante lo insinuante, lo pícaro. Algo que me inspiró una fotografía vista en el blog de ADORE NOIR realizada por CHERYL NICOLAI. Si nos metemos en su página web y nos dirigimos a las secciones BOUDOIR, BACKSTAGE o DRESSING ROOM, nos encontraremos con una fotógrafa que se expresa preferentemente en blanco y negro y que aborda situaciones erótica y pícaras con bastante alegría y elegancia al mismo tiempo.
Pero la película de moda pretende hablar de emociones fuertes... de las relaciones de dominación, de la asociación de dolor y placer, creo... Así que hay que irse a algo más intenso. Y creo que el japonés ARAKI es un ejemplo adecuado. Aviso que sus fotografías pueden ser bastante explícitas, para aquellos que se puedan sentir ofendidos por ciertos tipos de desnudo o actitudes. En AMERICAN SUBURB X nos traen una colección de polaroids que nos hablan de la afición del fotógrafo a las cuerdas.
Los fotógrafos FORMENTO+FORMENTO también han explorado esa relación con el fechismo de la cultura japonesa, tal y como nos cuentan en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE, en su serie JAPAN DIARIES. Fotografías cuidadosamente escenificadas, que nos transportan al rico mundo de la imaginería nipona, y parece extraídas de algunos de los más interesantes y desasosegantes filmes del país del sol naciente.
¿Y qué me decís de la fotografía de MARK PECKMEZIAN que publicó hace unos días en su blog MARC PETER DROLET? Entre el erotismo, la inocencia, el misterio... y con una delicadeza de los tonos en blanco y negro...
En CULTURA INQUIETA nos trasladamos a una forma muy distinta de concebir el desnudo y lo erótico. Se trata de los retratos de JO SCHWAB, desnudos muy sencillos en su concepción, muy directos, muy confrontados al espectador. Y lejos de la selección de cuerpos danone frecuentes en la fotografía de desnudo y más si tiene un componente erótico, aquí nos vamos a cuerpos variados, diversos, que no responden a un único estándar o canon de belleza establecida. Imágenes muy asertivas, muy seguras de sí mismas en su diversidad. Riguroso blanco y negro.
Y unos retratos de desnudo muy especiales son los que nos propone TREVOR CHRISTENSEN, de acuerdo al artículo que nos ofrece FEATURE SHOOT. Y es que en esta ocasión quien se desnuda no son los modelos ante el fotógrafo, sino al contrario. El fotógrafo quien trabaja completamente desnudo frente a sus modelos, sean amigos o familiares suyos, sean extraños que aceptan a tan curioso experimento. La base del mismo es que la persona retratada de alguna forma expone sus vulnerabilidades ante el fotógrafo. En esta ocasión, mediante ese desnudo que no se ve en la fotografía, este se pone al mismo nivel de vulnerabilidad. Desnudo que no se ve, pero que se refleja en las expresiones y en los gestos de los retratados. A veces con incomodidad, otras con diversión o picardía, a veces con curiosidad, sorpresa o incredulidad.
